Nicola TurnerLa scultrice della materia morta con un background da scenografa

Dalle opere liriche alle opere scultoree il passo, secondo l’artista britannica, è breve: «Sono interessata a ciò che viene tramandato di generazione in generazione attraverso i corpi e anche i ricordi negli oggetti», racconta a Linkiesta Etc

Nicola Turner, Myth&Miasma, Islanda (Courtesy of the artist)

Nicola Turner è un’affermata artista e scenografa britannica. Nata nel 1967, si è laureata alla Central St. Martins School of Art & Design per poi iniziare a lavorare come scenografa nei teatri più importanti al mondo: dalla Royal Opera House all’Opera di San Francisco. I numerosi riconoscimenti non le hanno impedito di riprendere gli studi per poi dedicarsi all’arte, disciplina in cui si è affermata fin da subito grazie a un approccio molto particolare: il suo lavoro ricalca lo sviluppo organico e originale della drammaticità sensuale introdotta da Louise Bourgeois. 

Nicola Turner esplora così la dissoluzione delle barriere, gli stati liminali e gli scambi continui tra gli ecosistemi. Coniuga oggetti che portano tracce di memoria con forme viventi e materiali provenienti da materia organica “morta”, come il crine di cavallo, creando opere che provocano attrazione e repulsione. La sua pratica riflette profondamente le connessioni tra vita e morte, umano e non umano, esplorando il concetto di abiezione e le energie interconnesse dell’universo. 

Alla base c’è infatti un’esperienza di dolore, perdita e lutto. L’arte diventa così una chirurgia dell’anima, una catarsi attraverso la materia prima sventrata e poi ricomposta in una forma che esprime e racconta la consapevolezza dell’interconnessione della vita e delle energie più ampie di cui facciamo parte. L’artista si è raccontata in una lunga e generosa intervista, realizzata in più momenti perché – oltre alla sinuosità ipnotica del lavoro – Turner nasconde un mondo interiore che è interessante scoprire e condividere.

ph. Tania Naiden

Da scenografa di fama internazionale ad artista: cosa sta succedendo nella tua vita?
Sono arrivata alla scultura tardi, negli ultimi dieci anni, anche se l’arte è da sempre parte del mio lavoro. Inizialmente ho studiato design teatrale presso il Central St Martins di Londra, incoraggiata dalla mia famiglia a studiare una materia che portasse a una carriera “vera”. E così è stato: ho avuto una carriera internazionale di successo che include la progettazione di molte opere liriche, drammi e balletti, tra cui collaborazioni con il Royal Opera House di Londra, San Francisco Opera, Nashville Ballet, Scottish Ballet, Royal Shakespeare Company e National Theatre. Ho vinto un premio per la scenografia per Rusalka alla Sydney Opera House. Recentemente ho lavorato sull’opera di Britten, Morte a Venice, per il Welsh National Opera. Tornare a frequentare un Master in Fine Art è stata una decisione matura e consapevole: volevo concentrarmi sull’introspezione e su un’indagine più intima e svincolata dal volere degli altri. 

Cosa cerchi di “indagare”?
Recenti ricerche scientifiche hanno evidenziato che siamo costituiti da diversi ecosistemi, con più cellule non umane che cellule umane all’interno del nostro corpo, e siamo strettamente legati a tutti gli ecosistemi circostanti. Nel mio lavoro artistico esploro perciò il concetto dell’interconnessione umana, non solo con le persone che ci circondano, ma anche con i materiali, gli oggetti e i ricordi che essi custodiscono. La mia pratica si focalizza principalmente sull’uso di “materia morta”, come il crine di cavallo proveniente da vecchi materassi e sedie, che raccolgo e disseziono. Questa materia ha assorbito storie e memorie nel corso del tempo che mi affascinano infinitamente e, mentre mi trovo nel mio studio circondato da questa energia, non mi sento mai sola. Questi materiali sono anche malleabili e possono essere facilmente adattati e alterati. Non solo, nell’attuale emergenza climatica, ritengo importante utilizzare materiali sostenibili e biodegradabili. Molto del mio materiale mi viene donato o lo trovo come rifiuto.

C’è tanto della tua vita nel tuo lavoro d’artista: questo amore per i tessuti e la pratica tessile deriva dalla tua famiglia o dal lavoro di scenografa?
Mia madre, mia nonna, e persino la mia bisnonna hanno tutte lavorato con i tessuti. Sono cresciuta circondata da stoffa, forbici e aghi. Mia madre ha anche lavorato come tappezziera, quindi le crine di cavallo, le fibre di coir e le tele di iuta erano sempre presenti in casa. Lavorare con aghi e fili mi è sempre stato molto naturale. La mia storia personale di lutto, perdita e intrusioni mediche è anche presente nel lavoro. Sono interessata a ciò che viene tramandato di generazione in generazione attraverso i corpi e anche i ricordi negli oggetti.

Nicola Turner, Myth&Miasma, Islanda (courtesy of the artist)

 

Le tue opere uniscono sempre l’energia con la sua antitesi, come se qualcosa le stesse contenendo, come se fosse una chirurgia dell’anima. Da dove deriva questo senso di costrizione che sembra pervadere la tua ricerca artistica?
Mi riconosco in questa paura di non lasciarmi andare, di non permettere alla terra di tenermi. Forse questo emerge inconsciamente nel mio lavoro. Allo stesso tempo, c’è in me una parte che desidera liberarsi dai confini e le mie sculture spesso traboccano e rompono le costrizioni. Nel mio lavoro trovo una sorta di catarsi. Attraverso l’arte riesco a esplorare la vita e la morte e lo spazio liminale tra di esse: i capelli e la lana sono cresciuti una volta su un corpo ma continuano a evolversi al di là del corpo da cui provengono, continuando a mutare, a biodegradarsi, ad assorbire l’atmosfera circostante e, facendolo, continuano ad avere vitalità.

Come hai sviluppato le forme organiche, che sono la tua cifra stilistica?
Le mie sculture sono emerse da lavori su carta che ho creato utilizzando cera fusa e pastelli a olio. Si trattava di studi di forme naturali. I miei lavori stavano diventando sempre più grandi e ho realizzato che era ora di portarli oltre la carta e trasformarli in 3D. Durante il Master ho esplorato diversi materiali, tra cui il cob, fatto di paglia, calce e letame di vacca. Un giorno ho trovato una vecchia sedia e ho visto le fibre interne sporgere attraverso il tessuto esterno. Ho sezionato la sedia e mi sono entusiasmato all’idea di utilizzare le viscere della sedia come medium. Grazie al cucito posso lavorare rapidamente poiché non c’è nulla che debba asciugarsi o indurire. Forse, come ti dicevo, è stato il modo per raccogliere l’eredità della mia famiglia e unirla al mio lavoro di scenografa, facendone nascere qualcosa di nuovo… la mia arte.

I tuoi lavori evocano spesso un senso sia dell’organico, sia dell’artificiale, così come attrazione e repulsione. Qual è il rapporto tra questi elementi nella tua visione artistica?
Trovo affascinante ciò che le persone leggono nei miei lavori. Ogni individuo ha una risposta diversa, spesso legata alle proprie esperienze personali. C’è una qualità abietta nel crine di un corpo e le persone sono respinte e attratte allo stesso tempo. Alcuni vogliono toccare mentre altri si allontanano. La lana ha un forte odore di lanolina che sembra piacere o dispiacere alle persone. È un odore antico, viscerale che risveglia emozioni, spesso legate al passato delle persone. Sento l’odore fino in fondo al mio stomaco. Mi piace sentire cosa evocano le mie sculture per persone diverse. Ascolto racconti di sogni, esperienze infantili, traumi, di tutto.

Myth & Miasma, Nicola Turner, 2022, Islanda (courtesy of the artist)

Sei arrivata all’arte ormai con una fama internazionale: senti mai delle pressioni o temi il giudizio per la tua nuova carriera d’artista che stai sviluppando parallelamente a quella di scenografa?
L’aspetto più importante della mia pratica è continuare a fare opere che siano vere rispetto a chi sono. Una cosa porta all’altra e tengo gli occhi aperti per opportunità e progetti. Mi piace incontrare altri artisti e andare a mostre ed eventi. Di recente ho trasformato un vecchio capannone industriale in sette studi d’artista di cui ne ho uno. Mi piace molto fare chiacchiere spontanee che avvengono attorno al bollitore. Apprezzo di poter fare lavori in un ambiente così familiare carico di solidarietà e collaborazione.

Come nasce una tua nuova opera?
Gran parte del mio lavoro è in risposta al materiale, al paesaggio, all’architettura o agli oggetti. Non so mai esattamente come si svilupperà un lavoro, ma cerco di rispondere in modo intuitivo e lascio emergere il lavoro nel processo. Interessantemente, i lavori hanno qualità simili ma ciò deriva dal mio viaggio personale piuttosto che da un’estetica controllata.

Della tua carriera di scenografa quello che resta, oltre a una manualità estrema, è senz’altro il magistrale uso dello spazio e un certo amore per il grande formato. Sbaglio?
Intanto grazie. Ed è vero, mi piace lavorare su grande scala. Mi piace la sensazione di essere avvolto dal materiale. Essendo venuto da una carriera nella scenografia non ho paura di lavorare su grandi dimensioni e ho comprensione della struttura e della sicurezza. Il senso di costrizione nasce dalla mia risposta personale al materiale e al luogo. Spesso sento che i miei pezzi stanno afferrando, aggrappandosi, non volendo lasciare andare. Questo deriva dal mio modo intuitivo di creare le opere, collegando le mie paure subconscie al materiale che sto manipolando.

Uninvited Guest From the Unremembered past. Nicola Turner, 2023, Bomb Factory Art Foundation (ph. Joanna Wierzbicka)

A proposito di grandi opere, ci racconti uno dei tuoi lavori più recenti, The Uninvited Guest from the Unremembered Past, (L’ospite non invitato dal passato dimenticato), realizzato nel 2023?
Mi è stata data l’opportunità, come parte di Wells Art Contemporary, di rispondere al glorioso Capitolo (collegio dei canonici, ndr) che è stato costruito tra il 1275 e il 1307. Ho trascorso del tempo seduta in questo luogo mistico, assorbendo l’atmosfera e ho sentito un impulso a torcere il pilastro centrale verso il soffitto a volta finemente costolato. Essendo un luogo sensibile, ho dovuto elaborare un metodo di installazione in anticipo che permettesse all’opera di esistere in modo rispettoso senza perdere la sua potenza. Ho perciò preparato una struttura prefabbricata per sedere lontano dal pilastro e sostenere il peso del materiale. Ho anche preparato molti filamenti di fibra. Il giorno dell’installazione ho noleggiato una torre di impalcature e sono arrivata con i miei sacchi di materiale e alcuni aiutanti. Anche se avevo una certa idea progettuale di come potesse andare, ho voluto rispondere all’architettura lentamente nel corso di un’intera giornata, legando tutti i filamenti su se stessi e finendo con ago e filo. Il lavoro è arrivato a un’altezza di otto metri. Il titolo è stato preso da un libro di Prophecy Coles, incentrato sul trauma transgenerazionale: tutto in questo progetto era intriso di una storia vissuta che sussurra ricordi del passato.

Non si interrompe un’emozione, figuriamoci la Soncini!

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