Arthur Ganson, nato a Hartford, Connecticut, nel 1955, è uno scultore americano famoso per le sue opere cinetiche attraverso le quali indaga temi esistenziali senza pedanteria ma sempre con leggerezza prosaica. L’artista definisce il suo lavoro come una fusione di ingegneria meccanica, coreografia e ironia, con il gioco che costituisce una parte essenziale della sua visione del mondo. Oltre alla sua produzione artistica, Ganson è, infatti, l’inventore di Toobers & Zots, un set di giocattoli commerciali flessibili e astratti che possono essere assemblati in varie forme.
Nonostante la sua indipendenza e la sua lontananza dal mondo dell’arte convenzionale, Ganson ha guadagnato fama attraverso numerose mostre, soprattutto presso le più prestigiose università americane, specialmente quelle di ingegneria. Tra il 1995 e il 1999, è stato artista in residenza presso il dipartimento di Ingegneria meccanica del Massachusetts Institute of Technology, e proprio il MIT Museum di Harvard ospita una vasta collezione delle sue opere fin dal 1995.
Il suo lavoro ha influenzato molti artisti ed è ampiamente citato in pubblicazioni e articoli, sebbene rimanga poco conosciuto e studiato. Durante questa intervista abbiamo scoperto un uomo umile, affabile e generoso nel condividere il suo mondo “di movimento” e nell’esplorare la relazione intrinseca tra causa ed effetto.
Hai iniziato a creare le tue opere cinetiche nel 1977, prima di laurearti in belle arti: da dove è nata l’idea?
La mia prima creazione meccanica è nata quasi per caso, in risposta a un semplice compito di progettazione 3D. Senza rendermene conto all’epoca, ho unito insieme diversi interessi, passioni e inclinazioni. L’idea per la mia prima macchina, un piccolo veicolo mosso dalle mosche di casa, era più una trovata utile che un capolavoro artistico. Non sembrava neanche una scultura per me, ma più un giocattolo. Tuttavia, quel progetto ha aperto la strada a un processo avvincente. Ho iniziato a creare costruzioni sempre più fragili, spingendo i limiti della mia destrezza fisica e aprendo nuovi orizzonti concettuali su cosa potesse essere considerato una macchina. Da allora, è stato un viaggio di tutta la vita fatto di gioco, sentimenti e invenzione, elementi che si sono intrecciati in un unico percorso indivisibile.
Hai sempre pensato di diventare un artista?
In quegli anni ho fatto parte anche di una compagnia di marionette e in realtà oltre ai corsi d’arte frequentavo il programma pre-medico al college, con l’idea di diventare un chirurgo. Tuttavia, l’impulso sottostante non era tanto quello di diventare un medico, quanto quello di lavorare con cura (e come ho capito molto tempo dopo, con amore) con le mie mani. Vengo da una famiglia di non artisti, ma creativi: entrambi i miei genitori facevano lavori tradizionali, ma erano entrambi ottimi ballerini. Sento di aver ereditato un po’ di fluidità genetica dal loro. Chissà?
Quanto è importante l’essere un homo faber per te?
Costruisco tutto da me: è la mia gioia più grande! Il saper fare è fondamentale. Sin da giovane, sono stato introdotto alla chitarra classica e ho continuato a suonare per tutta la vita, ora più costantemente che mai. Le mie dita e le mie mani sono sempre state il fulcro della mia espressione, in un modo o nell’altro. Da ragazzo, ero affascinato dalla programmazione informatica, ma non tanto dal codice in sé quanto dalla sfida di creare strutture logiche di causa ed effetto. Avevo un po’ di esperienza con la saldatura elettrica fin da giovane, quindi ero familiare con il filo e l’assemblaggio di componenti utilizzando la saldatura in piombo-stagno.
“Vissi d’arte”?
Vissi d’arte e di saper fare. A volte ho insegnato, ma non mi piace essere in quella posizione. Ho sempre guadagnato principalmente facendo e vendendo sculture. A un certo punto avevo inventato un giocattolo per bambini chiamato Toobers and Zots, e ho aiutato a costruire una piccola azienda (Hands On Toys) con due amici. Per un breve periodo ero un po’ in entrambi i mondi: la produzione di giocattoli e la creazione di sculture. C’erano alcuni brevetti coinvolti in quello. In effetti, un progetto in corso è un dispositivo utilitario per il cuoco, e sto per cercare di brevettarne un aspetto. Chissà dove andrà a finire!
Di cosa parlano le tue opere?
Le mie sculture incarnano sentimenti profondi. Talvolta, a seconda del singolo pezzo, potrebbe emergere una storia, un senso, ma non c’è mai una precisa chiave di lettura. L’ideale è che ogni opera viva in uno stato di limbo, simultaneamente astratta e cristallina, una sorta di confine tra chiarezza e ambiguità. È in questo spazio, credo, che si offre la massima opportunità di connessione significativa con lo spettatore. È solo in questo momento e luogo mentale che la materia fisica dell’opera si trasmuta e si risveglia… nella mente e nel cuore dell’osservatore! Il significato e il sentimento saranno naturalmente unici per ciascuno. Un ingegnere di ottant’anni potrebbe trarre conclusioni molto diverse da un bambino di tre anni, ma c’è anche il potenziale per una profonda sovrapposizione, considerando l’esperienza universale dell’innocente gioia, indipendentemente dall’età.
Eppure il peso e il legame sembrano elementi costanti, come se raccontassi della caducità della vita.
Il mio lavoro è ambiguo come l’esistenza, sempre in bilico tra gli estremi che lo compongono. Ad esempio la Macchina con l’Oste è nata in un momento di puro gioco: dopo aver cenato una sera stavo giocando con l’oste, come una marionetta, facendolo camminare sul tavolo. Ho subito immaginato una semplice macchina alla quale un osso (del bacino di pollo, ndr) potesse essere collegato, scomponendo i due movimenti semplici necessari che, presi insieme, avrebbero causato l’osso a “camminare”, tirando la macchina dietro di esso. È iniziato nella mia mente come un po’ un giocattolo, ma una volta completato ho sentito una connessione profonda e seria tra me stesso (l’animale) e la “macchina” che potrebbe essere qualsiasi aspetto della vita che uno si sente legato o dettato. Allo stesso modo La Sedia Gialla di Cory, un’opera a cui sono molto legato, è nata in un momento di sogno a occhi aperti mentre guardavo la piccola sedia gialla di mio figlio nell’angolo del mio studio. Nella mia mente l’ho immaginata esplodere con velocità infinita istantanea in pezzi, volare fino al bordo dell’universo e poi ricomporsi lentamente per formare una sedia per un breve momento prima di esplodere di nuovo. Per me punta al fugace momento del “qui e ora”, simile al battito di mano di un maestro buddista. Il pezzo in questo caso è un tentativo di incarnare un’idea che è fisicamente impossibile.
Un altro tema che mi sembra che affronti spesso è il tempo e il ripetersi dei fenomeni, sbaglio?
No perché noi siamo finiti in un tempo infinito, che forse si ripete. È stata l’idea alla base della Macchina con il Cemento. Un robusto motore che muove un insieme di ingranaggi, apparentemente bloccati nel cemento, sembra controintuitivo, ma è proprio lì che funziona perfettamente. Il pezzo originale si basava su una considerevole riduzione dell’ingranaggio, in modo che ci sarebbero voluti trilioni di anni per far girare una volta l’ingranaggio finale, immerso nel cemento. Dopo un po’ di riflessione, quel dato non risultava significativo o interessante di per sé. Ciò ha portato alla successiva iterazione del pezzo Osservare il Big Bang, che rappresenta essenzialmente la stessa idea con tipi di ingranaggi diversi. In questo caso, ci vogliono 13,7 miliardi di anni per far girare una volta l’ingranaggio finale. Questo è un valore significativo poiché rappresenta, o ha rappresentato, l’età stimata dell’universo dall’esplosione del Big Bang. Adesso, l’azione del motore rappresenta il momento presente, mentre l’immobilità del cemento richiama la staticità che pensiamo esserci stata nell’istante precedente al Big Bang. È tutto parte di un sogno, naturalmente!
Se è vero che il saper fare per te è fondamentale, quanto lo è la fase di progettazione? Mi sembra impossibile improvvisare nel tuo lavoro
Quelle che io chiamo “macchine fragili” sono estremamente libere e rappresentano e rappresentano la cosa più simile al lavorare in modo improvvisato e fluido, come se stessi dipingendo ad olio. Generalmente, queste macchine crescono da un punto di partenza, finendo per occupare una forma e una dimensione immaginate precedentemente. Per tutto il resto hai ragione: le mie macchine-scultura di solito hanno origine da un’idea, che può sorgere nella mia mente o essere catalizzata da un oggetto trovato. Dopo aver trascorso molto tempo a immaginare e sognare soltanto nella mia mente, di solito procedo con degli schizzi. Questi schizzi possono aiutarmi a visualizzare il senso generale del pezzo o i percorsi meccanici e le interrelazioni necessarie per ottenere un determinato movimento desiderato. Quando un pezzo coinvolge un oggetto trovato, di solito gioco prima con quell’oggetto per scoprire che tipo di movimento sembra evocativo. A quel punto, divento quasi un burattinaio, che, come ti ho detto per me, è molto importante: in fondo è un’analisi continua di causa-effetto mediata da uno strumento. Poi inizia il processo di costruzione, che spesso segue un percorso di vagabondaggio. Il “mondo reale” parla e si comporta come vuole, non sempre come lo immagino, quindi presto molta attenzione a ciò che succede intorno a me. C’è sempre uno scambio continuo di idee fino a quando non raggiungo un punto in cui il pezzo sembra completo… o fino a quando non viene imposto un termine che richiede una conclusione! Tuttavia, questa situazione è piuttosto rara, poiché non mi trovo spesso a lavorare in tali circostanze.
Come è evoluta la tua ricerca artistica?
Ho cominciato a creare macchine esclusivamente con filo, alimentate solo da manovelle manuali. Volevo che lo spettatore toccasse fisicamente il pezzo e fornisse l’energia per farlo funzionare, rendendolo una sorta di estensione diretta del proprio corpo. Man mano che le mie opere si sono evolute, la velocità effettiva del movimento è diventata sempre più importante e cruciale per esprimere il sentimento; quindi, naturalmente le macchine si sono evolute per essere principalmente alimentate da motori. Nel corso del tempo, le possibilità riguardo alle dimensioni delle macchine sono migliorate. A seconda del pezzo e delle necessità meccaniche, ingranaggi industriali veri e propri hanno fatto la loro comparsa. Inoltre, ogni materiale immaginabile è diventato una risorsa leale. Il mio studio è pieno di tutto perché qualsiasi cosa possa risultare utile o appropriata in una data situazione. Gli oggetti trovati trovano spazio di tanto in tanto. Attualmente mi trovo in una situazione abitativa che mi consente di realizzare pezzi più grandi con maggiore facilità. Alcuni anni fa ci siamo trasferiti in una fattoria nel nord dell’Illinois e ho dedicato del tempo ad interventi architettonici in un vecchio fienile. Sebbene non si tratti di scultura meccanica, rappresenta comunque un’ulteriore opportunità di esplorazione creativa. Recentemente ho iniziato a lavorare con la modellazione e la stampa 3D, che offrono possibilità veramente infinite mai disponibili prima d’ora. Al momento sto concentrando i miei sforzi su quella che probabilmente sarà una versione finale della Sedia Gialla di Cory, realizzata in modo molto diverso e resa possibile da questi nuovi strumenti e materiali.
